Идея Индии

Выставка с символическим названием «Где-то в мире» открылась в недавно созданном Музее современного искусства в Дели. Некоммерческий арт – Devi Art Foundation, учрежденный известным коллекционером современного искусства господином Анупамом Поддаром, открыл музей летом этого года. Музей начал свою деятельность с выставки видеоарта. Здание музея, расположенного в районе Гургаон – южном предместье Дели, как нельзя лучше соответствует замыслу создателя: авангардный проект индийского архитектора Аникета Бхаквата, выполненный из красного кирпича и ржавого железа, виден издалека и столь же непривычен даже для современной индийской архитектуры, сколь и выставка, ожидающая зрителя внутри. Открытие Музея современного искусства было расценено мировым художественным сообществом поистине как революционное, и не только для Индии: многие индийские художники выставляются по всему миру, успешно продаются на ведущих аукционах, количество частных коммерческих галерей в крупных городах Индии неуклонно растет, а внутренний арт-рынок Индии испытывает настоящий бум. Однако до сих пор в стране не было ни одного музея современного искусства. Именно такую общенациональную задачу поставил себе г-н Поддар, решив создать новый музей на базе обширной семейной коллекции, которая составляет более 6000 объектов и произведений. Только в коллекцию видеоарта входит более 100 новейших работ индийских художников этого жанра. Выставки в новом музее уже распланированы до 2010 года, причем нынешние планы коллекционера простираются далеко за границы Индии. Следующая выставка посвящена современному искусству Пакистана, сейчас идет создание коллекции современного искусства из Афганистана, Ирана и Средней Азии.

Нынешняя выставка, которая продлится до мая 2009 года, предлагает зрителям ответить на вопрос: где же находится Индия в пространстве современного искусства? Открытие Индии миру в последнее десятилетие, влияние глобализации принесло индийским художникам новые возможности, новые выразительные средства и совсем иную аудиторию.

Как выглядит новое индийское искусство? Кому оно адресовано? Какой запомнит мир современную Индию? О нынешней выставке и ситуации в современном искусстве субконтинента с крупнейшим индийским коллекционером г-ном Анупамом Поддаром и куратором выставки искусствоведом, доцентом Университета им. Дж. Неру г-жой Кавитой Сингх побеседовала в Дели Елена Рубинова.

– Выставка в вашем фонде здесь, в Дели, открылась почти одновременно с выставкой Indian Highway в одной из ведущих лондонских галерей Serpentine, причем эта выставка будет ездить по миру в течение четырех лет. Кроме Лондона выставки современного индийского искусства сейчас идут в Испании и Японии. Как вам видится – это свидетельство глобального процесса, что современное индийское искусство, вслед за китайским, завоевывает ведущие позиции на мировой арт-сцене?

Анупам Поддар. Сегодня современное индийское искусство в глобальном масштабе проходит примерно ту же стадию, что несколько лет назад современное искусство Китая, раз уж вы упомянули эту страну. К тому времени, когда на китайское искусство наступил очевидный спрос, а в западные художественные институты – музеи, галереи – пришли зрители и потенциальные покупатели, цены были уже очень высоки. Сегодня большинство музеев и галерей уже не могут позволить себе покупать современное искусство из Китая в свои коллекции. Момент, когда это было возможно, оказался упущен. Что-то похожее происходит на мировом арт-рынке и с современным индийским искусством. Только на этот раз дилеры и художественные институты не хотят повторять ошибок. Интерес публики огромный, а выставки, которые проходят в галерее Serpentine в Лондоне или в Испании, – своевременный отклик на этот интерес. Вообще в глобальном масштабе различных мероприятий – выставок, аукционов, показов, так или иначе связанных с современным искусством Индии, происходит много, некоторые запланированы вплоть до 2010 года. Но самый важный и ценный результат такой активности – это межкультурный диалог и критический подход со стороны зрителей и специалистов – людей, которые смотрят на арт-процесс извне и непредвзято анализируют его. Они видят современное искусство Индии в перспективе и оценивают его место в общемировом художественном пространстве.

– С вашей позиции, так сказать, изнутри, когда начался этап выхода современного индийского искусства в общемировое пространство?

Анупам Поддар. Для меня этот этап начался примерно лет десять назад. Именно тогда современное искусство в Индии вышло из тени. Я часто рассказываю, с чего началась моя коллекция. Мои родители много лет собирали коллекцию традиционного и прикладного индийского искусства, и, когда мы переехали в новый дом, они спросили, что из разнообразной семейной коллекции я бы хотел разместить в своей части дома. Но искусство из коллекции родителей меня не особенно трогало. Именно тогда я начал покупать произведения художников моего поколения – тех, кто говорил об Индии на языке модерна и постмодерна. Так же как я сам, они путешествовали по миру, жили и работали в разных странах, участвовали в самых разных проектах, но все мы с этим новым знанием возвращались в Индию, видя ее уже другими глазами, смотря через другую призму. Художники, с которыми я тогда общался и чьи работы приобретал, были настоящим открытием, работы многих из них сегодня можно увидеть в ведущих галереях мира и здесь на выставке. Именно это искусство я начал покупать для своей коллекции. Ну а что касается арт-рынка, коллекционеров и галерей, то прошло еще 4–5 лет, прежде чем сформировался и вырос рынок современного искусства Индии в том виде, в каком он существует на данный момент.

– Что, по-вашему, определяет контекст, в котором рождается современное искусство Индии? Влияние глобализации и экономической либерализации или есть еще другие важные составляющие? Какие темы волнуют и вдохновляют художников?

Анупам Поддар. C экономики все начинается, это безусловный ускоритель. Потому что если художник продает свою работу, то у него открывается возможность для того, чтобы следующий проект или произведение было еще более новаторским и амбициозным. Это взаимосвязанный цикл – чем больше люди покупают искусство, тем больший простор для эксперимента открывается у художника. Он может осваивать новые формы – инсталляции или видеоарт – и не особенно заботиться, купят его сейчас или нет. Конечно, всегда есть и те, кто уходит в коммерческое искусство, потому что оно хорошо продается, а не в новаторство, но тенденция все равно сохраняется. Темы, к которым обращается нынешнее поколение художников, стали только многообразнее, и даже традиционные для Индии политические, религиозные темы обретают новую эстетическую экспрессию, которая стала возможна только с приходом нового поколения художников. Все они молоды, все они ездили по миру, впитывая молодежную субкультуру MTV, все они мыслят себя частью глобальной культуры. Их художественный посыл разительно отличается от предыдущего поколения индийских художников. Ведь предыдущее поколение было целиком замкнуто на сугубо национальном искусстве, аудитория тоже была только внутренняя, а культурный диалог с другими странами и нациями был очень ограниченным. Для нового поколения индийских художников глобальный мир стал их домом и в этом смысле иной реальностью. Отсюда – новые пути самовыражения, огромный потенциал художественного эксперимента.

Кавита Сингх. Разброс тем действительно очень велик и очень индивидуален. С моей точки зрения, в последние годы очень ярко проявляется обращение нынешнего поколения художников к остро социальным темам, многие из них формально или неформально исповедуют левые, довольно радикальные убеждения. И либеральные взгляды, которых они придерживаются, выражаются в таких темах, как экополитика, выражение оппозиционных убеждений по отношению к власти в других социальных аспектах. В последние пять лет экологические темы, как ни странно, из достаточно слабых, гуманитарных тем перешли в разряд очень актуальных тем активного действия. Для Индии это совсем новое явление, прежде такими острыми темами были в основном этнорелигиозные. Еще одна тема, которую активно переосмысливают художницы нового поколения, – это ироническая трактовка индийских традиций и уклада, который раньше для женщин был особенно строг. Теперь настало их время говорить.

– Выставка, которая сейчас идет в музее, носит вполне символическое название «Где-то в мире» (Where in the world). Как родилась концепция выставки и почему вы выбрали именно такое название?

Кавита Сингх. Подготовка к этой выставке заняла у нас менее полугода, прежде всего потому, что мы не занимались подбором экспонатов извне, все они – из коллекции Анупама. Но нынешняя концепция выставки, как и ее название, родились далеко не сразу, мы перебрали много вариантов. Изначально Анупам предложил нам отобрать работы художников авангардного направления, чтобы построить выставку на идее, что такое был авангард в Индии в последние 10 лет. Я с самого начала была против, поскольку последние 10 лет в индийском современном искусстве нельзя свести только к авангарду, процесс был гораздо многообразнее. А концепция родилась так: однажды вечером мы встретились с Анупамом и он показал нам новую работу Судархана Шетти, которая сегодня располагается в самом начале музейной экспозиции. Это скульптура из стали и алюминия, представляющая собой стену из многих-многих мини-копий сувенирного Тадж Махала – такая тиражированная идея Индии. Я спросила, будет ли это самым первым объектом, который увидят посетители, и Анупам подтвердил, что собирался поставить ее в самом начале экспозиции. И на самом деле именно в этот момент мы оба поняли, что концепция у нас в руках – идея поиска Индией своего нового места в современном мире и искусстве, идея провести зрителя от максимальной выраженности индийской темы до ее полного отсутствия. Ну а затем немало времени ушло, чтобы переложить смысловое значение объектов на физическое музейное пространство. Ведь с современным искусством это многое решает.

– А каковы ожидания зрителей и рынка в других странах, что современное искусство Индии непременно будет нести национальные черты, насколько оно должно быть индийским?

Анупам Поддар. Ну такой вопрос встал бы перед искусством любой страны, которая недавно вышла на современную мировую арт-сцену – насколько китайским или русским должно быть искусство, чтобы быть узнаваемым. Решение может быть разным и отличается у разных художников. В этой выставке мы намеренно проакцентировали «индийскую идею» в одном из разделов экспозиции, назвав ее «Экспорт», чтобы показать местный колорит и национальную тематику в постмодернистской форме. Индийская тема стала не просто формулой, которой следуют художники, но полем для новаторского осмысления и эксперимента. В начале этой экспозиции выставлены как раз те объекты, которые вызывают у зрителя явные ассоциации с Индией – будь то огромная розовая корова Субодха Гупты или его же скульптуры с металлической кухонной утварью. Другие художники, как, например, Атул Додия или Бхарти Кхер, наоборот, как бы кодируют индийскую тематику в язык поп-арта или вообще прячут ее в своих произведениях. Зритель должен быть подготовлен, чтобы рассмотреть ее. Таким образом, на выставке зритель видит всю возможную палитру – от экстремального выражения национальной составляющей до почти полного ее отсутствия. Ведь зритель и художник всегда взаимосвязаны, и все зависит от того, что художник хочет сказать, а что публика хочет увидеть.

Кавита Сингх. Я согласна, что публика в других странах по-прежнему ожидает ту или иную степень присутствия индийской темы в современном искусстве, но многие современные художники намеренно перенасыщают свои работы этим национальным колоритом, специально, чтобы избежать привычных стереотипов и как бы опередить ожидания публики. Надо сказать, что традиционная визуальная культура Индии всегда была далека от минимализма – яркие цвета, пышные формы присущи ей не одну тысячу лет, но художники нынешней волны пользуются этим приемом ровно с противоположной целью, чтобы уйти от привычного через отрицание.

– Кто такие индийские коллекционеры как класс? Кто и для чего коллекционирует искусство – для престижа, как выгодное вложение или уже есть продвинутые коллекционеры?

Анупам Поддар. В Индии всегда были коллекционеры искусства, начиная с махараджей и других аристократических правителей и заканчивая бизнес-династиями, как наша. Коллекционирование искусства всегда было престижным занятием, отличие состоит в том, что именно собирали вплоть до очень недавнего времени. В основном – традиционное национальное искусство, прикладное искусство различных народов Индии, антиквариат. Именно с этого начиналась и наша семейная коллекция, которую десятилетия назад начала собирать моя мать. Сегодня наша общая коллекция, включая уже и современное искусство, насчитывает более пяти тысяч объектов. Мне повезло, потому что, когда я начал собирать современное искусство, меня поддержала семья, иначе в столь молодом возрасте я вряд ли смог бы это сделать. Кроме нашей семьи в Индии есть и другие известные коллекционеры, специализирующиеся в той или иной области искусства. Так, мумбайский бизнесмен Харш Гоенка известен своей коллекцией портретов, а сестры Прити и Прия Пол, представляющие состоятельную бизнес-семью, собрали самую полную коллекцию видео- и поп-арта. Уже в последние пять лет на индийском арт-рынке активно работают западные галеристы и коллекционеры, которые открыли коммерческие галереи в основном в Дели и Мумбаи.

– Прошел ли тот период, когда индийское искусство покупали только богатые индийцы?

Кавита Сингх. Ведя разговор об индийском арт-рынке и современном художественном процессе, нельзя не отметить одну важную особенность. Поскольку экономические и социальные перемены в Индии произошли очень быстро, буквально за какие-то десять лет, на арт-сцене параллельно существуют как бы два мира или две почти не пересекающиеся окружности – индийское искусство и круг художников, работающих на интернациональную аудиторию и тех художников, которые отвечают более традиционному вкусу и спросу на внутреннем рынке. Есть индийские художники, которые выставляют свои новаторские, экспериментальные работы на биеннале, кого покупают галеристы уровня Саатчи в Европе или Гоенки здесь, в Индии, а есть тe, кто коммерчески на внутреннем рынке не менее успешен, но чьи имена вы вряд ли встретите на аукционах на Западе. Традиционный покупатель в Индии по-прежнему приобретает живопись или гравюру хорошего качества исполнения, что-то радующее, а не провоцирующее глаз, выбирая полотно, которое украсит дом. На этом рынке работают другие дилеры и другие художники, причем цены сопоставимы, а иногда и превышают цены на работы художников, получивших международное признание.

– Как отразился финансовый кризис на арт-рынке? Cхлынула ли в связи с кризисом волна дилеров, для которых искусство – это область выгодных инвестиций?

Анупам Поддар. Арт-рынок не является исключением и так же, как и в других областях, в кризис хорошо покупать, если у вас есть средства. Я уверен, что цены и дальше будут снижаться, станут более реалистичными, потому что на определенном этапе рынок современного искусства был явно перегрет. Это только благо, если вдруг хорошее искусство станет более доступным. Что касается людей, которые просто инвестировали в арт-рынок, потому что это были выгодные инвестиции, то, я уверен, таких станет меньше. Они просто уйдут в другие сферы бизнеса. Я убежден, что, для того чтобы коллекционировать и вкладывать в искусство, нужно, чтобы это было вашей страстью и внутренней потребностью.

– А что вы называете доступным искусством?

Анупам Поддар. Все зависит от того, что вы ищете. Я обычно ищу и покупаю произведения, которые пока еще никто не хочет, поэтому для меня ситуация на рынке очень хорошая. Уже сейчас цены упали на 30–40%, скоро, наверное, некоторые снизятся вполовину. Для арт-процесса это тоже более здоровая ситуация, потому что на каком-то этапе галерейщики, дилеры перестали смотреть на произведения, а все разговоры начинались с финансов – что и за сколько. Наконец-то есть возможность вернуться к нужной для коллекционера точке: эта картина мне нравится потому-то, а эта скульптура поэтому. И это, несомненно, положительный эффект финансового кризиса.