Геннадий Гутман
|
|
Пабло Пикассо – бунтарь, разрушитель, творец. Хуан Грис. Портрет Пикассо. 1912. Чикагский институт искусств (США) |
«Обнаженная» и «Авиньонские девицы» (Брак и Пикассо)
Жорж Брак был близок к фовизму (фовизм от фр. fauve – дикий, хищный, направление во французской живописи начала XX века, для которого были характерны яркие цвета и упрощенные формы), но после встречи с Пабло Пикассо пришел к лаконизму выразительных средств и придавал всем предметам геометрическую форму. Картину «Авиньонские девицы» Пикассо написал до знакомства с Браком. Однажды, возвращаясь домой злачными улочками Парижа, он почему-то вспомнил знаменитый бордель Барселоны в квартале Калле д’Авиньон. Пути художественных ассоциаций и прозрений неисповедимы, причудливым образом изысканный Сезанн, африканский примитивизм и грубая изнанка жизни соединились в воображении, пришло вдохновение, и он встал к холсту. Пять обнаженных женщин он написал в разной манере. У двоих в правом углу холста лица напоминали маски. Все фигуры состояли из углов, были огрублены и деформированы, как и окружавший их мир. Он отказался от перспективы и светотени и выдержал картину в розово-охристых и голубых тонах. Картина наделала много шума среди друзей – они ее не поняли. Ее отверг Матисс, не воспринял Аполлинер... Только Брак признался Пикассо, что под впечатлением от «Девиц» писал свою «Обнаженную». Автор хотел назвать картину «Философский бордель», но его друг, поэт Андре Сальмон, предложил «Авиньонские девицы». Через несколько лет Пикассо обмолвился: «Когда мы начинали рисовать, в наши намерения не входило изобретать кубизм. Мы лишь хотели выразить то, что было в нас самих». Новое направление было разрывом с реалистическим изображением натуры, преобладавшим в европейской живописи со времен Ренессанса. Пикассо и Брак пошли на этот шаг, стремясь сбросить тесные реалистические оковы. Вместе, продолжая конструировать объемные формы на плоскости, расчленяя ее на геометрические элементы, теоретически обосновали новое направление. Но плыть по течению становилось все труднее, и после Первой мировой их пути разошлись – Брак отошел от кубизма, стал рисовать натюрморты, а Пикассо увлекся балетом.
«Парад» Дягилева (искусство – смесь небес и балагана)
Впервые Дягилев привез «Русский балет» в Париж в 1909 году. Пышные, с азиатским размахом исполненные костюмы и декорации Бакста поразили воображение парижан, но талантливый антрепренер, барин и эстет понимал, что все это ненадолго. Чтобы закрепить успех, были необходимы новые художественные идеи – самобытный талант русских танцовщиков и музыкантов нужно было облачить в современные одежды западноевропейской живописи. Авангардный танец требовал авангардной музыки и авангардных декораций. Он привлек к проекту Жана Кокто, Кокто – Эрика Сати и Пикассо. Сати обещал написать такую музыку, которая удивит весь мир. Пабло – расписать декорации. Хореографию Дягилев поручил Леониду Мясину. В «Параде» должны были соединиться элементы цирка и балета, грубые площадные краски жизни и утонченные – искусства. Премьера состоялась 17 мая 1917 года в театре «Шатле», на спектакль явился «весь Париж». Декорацией служил огромный занавес с изображенным на нем Арлекино и цирковыми артистами – акробатами, фокусниками, жонглерами. Крылатая балерина, готовая к прыжку, стояла на крылатой лошади и играла с обезьянкой, забравшейся на лестницу. Сквозь прорезь шатра открывался вид на сине-голубой горный пейзаж. Мяч, барабан и спящая собака завершали композицию. Все было просто и понятно: под небом – балаган, над балаганом – небо, искусство – смесь небес и балагана. «Парад» перевернул привычные представления о балете и стал художественным манифестом нового искусства. Свистел и топал буржуазный партер, одобрительно гудела и аплодировала демократическая монпарнасская галерка. Вспыхнул скандал, Пикассо впал в меланхолию, из которой его вывела Ольга Хохлова. Несколько лет она танцевала у Дягилева, но примой не стала. Дочь русского полковника не была красавицей, но очаровала художника: он не смог устоять перед русским шармом, она – перед его испанским темпераментом. И ему необыкновенно нравилось, что у него будет русская жена.
Пепел Герники (1937)
Вторая мировая началась для него не в 1939 году, когда немцы оккупировали Польшу, а 1937-м, когда самолеты Люфтваффе 26 апреля в течение двух часов после полудня уничтожали Гернику. Герника была исторической и культурной столицей басков, в старину под сохранившимся раскидистым деревом проходили народные собрания и приводились к присяге представители власти. В 1937 году город находился в руках республиканцев, которые вели оборону Бильбао. «Юнкерсы» и «Мессершмитты» вместе с итальянскими частями ВВС волна за волной заходили над святыней Страны Басков, методично сбрасывали на город 250-килограммовые бомбы и беспощадно поливали пулеметным огнем не только солдат республиканской армии, но и гражданское население. Одна из зажигательных бомб упала на старые деревянные постройки, пожар охватил Старый город и в ветреный день мгновенно распространился, выжигая все на своем пути. На следующий день Пикассо узнал из газет о трагедии на его родине. Франкисты упорно отрицали бомбардировку Герники и утверждали, что город был подожжен самими республиканцами. Через некоторое время правительство Испанской республики обратилось к художнику с просьбой написать картину разрушения Герники для павильона на Всемирной выставке в Париже. Выставка должна была открыться в июле 1937 года. Пикассо никогда не работал по заказу. Но сейчас согласился, ни минуты не раздумывая. Пепел Герники стучал в его сердце, он не мог оставаться безучастным к войне испанцев против испанцев, в которую вмешался Гитлер. Месяц он работал не покладая рук, черпая вдохновение в испанском фольклоре, древние мифы и образы сопровождали его с детства – «Герника» была пронизана мифическими мотивами. Картина стала символом протеста против насилия абсолютного зла в этом мире. После Парижской выставки картину отправили в Норвегию, потом в Англию, потом в Нью-Йорк в Музей современного искусства. В начале века Пикассо мечтал покорить Париж. Через тридцать лет покорил мир.
«Человеческая комедия» (до последней черты)
После войны его жизнь разделилась на две – на ту, которую он прожил, и ту, что надо было прожить. Он ехал с ярмарки, было известно, что ждет в конце пути, но неизвестно, сколько времени отпущено, чтобы преодолеть остаток дороги, и жил в постоянном движении. Достигнув одной вершины в искусстве, покорял новую, менял жанры и направления, как менял натурщиц и любовниц, в каждом и каждой прельщался новизной и, исчерпав, шел дальше – и в искусстве, и в жизни. Но в творчестве иногда возвращался к тому, что не нашло дальнейшего развития. В 1945-м вернулся к литографии. На всех работах с начала 1946 года изображена его новая возлюбленная Франсуаза Жило. Затем увлекся керамикой, ювелирным искусством и добился признания мастеров золотых и серебряных дел. Его общественный темперамент требовал выхода. В годы войны вступил в Коммунистическую партию, после войны поддержал прокоммунистическое движение сторонников мира. Правые ругали Пикассо за то, что он продался коммунистам. Левые за то, что он был неправильным коммунистом. После расставания с Франсуазой в 1953 году он за несколько недель создал свою «Человеческую комедию» – 180 рисунков, выразивших отчаяние человека, которое приходит в разные времена жизни. Он запечатлел постаревших клоунов, актеров и акробатов. Старого художника и юных натурщиц. Юность наивна, старость глупа. Искусство спасает от отчаяния, но не от смерти. Он продолжал писать картины до последнего дня. Не для денег. Не для того, чтобы очередной сумасшедший коллекционер упрятал их в тайники своей коллекции. И не для того, чтобы очередной музей выставил их для всеобщего обозрения. Он писал картины, потому что это было его жизнью. Когда он не мог больше вставать к холсту, жизнь утратила смысл.
P.S. Кораблекрушение
Пабло Диего Хосе Франсиско де Паула Хуан Непомусено Мария де лос Ремедиос Криспин Криспиньяно де ла Сантисима Тринидад Руис-и-Пикассо, известный под именем Пабло Пикассо, родился в Малаге 25 октября 1881 года и умер в Мужене 8 апреля 1973 года. Искусство для него было не только средством постижения жизни, но и единственным способом существования, той ложью, которая, в конце концов, приводила к правде и истине. И когда современные художники, очередные «исты», яростно доказывали, что реализм давно умер, кубизм себя исчерпал, а сюрреализм ни к черту не годится и только они, вновь пришедшие, и есть новое слово в искусстве, он молчал, потому что с молодых лет знал, что в искусстве нет прогресса и ни одно новое направление в нем не отрицает другого. А когда речь заходила о Боге, то говорил, что Бог такой же художник, как и другие, а себя то ли в шутку, то ли всерьез называл чертом. В историю человечества он вошел как бунтарь и мятежник, разрушитель и ниспровергатель основ, созидатель и творец – гениальный художник, сумевший запечатлеть трагедию ХХ века во всех его изломах и потрясениях. Незадолго до ухода обронил: «Моя смерть будет похожа на грандиозное кораблекрушение. Когда тонет большой корабль, воронка затягивает множество людей».
Он не ошибся.
